SKETCHBOOK, 1910-1913

Egon Schiele usually carried a small sketchbook with him, jotting down his compositional ideas and other personal notions on the go. This facsimile edition provides unusual insight into the artist's mind and working methods. Twenty-two of these small-scale sketchbooks belonging to Schiele are known to have survived. Most of them are now preserved in the Egon Schiele Archiv of the Albertina in Vienna. Others are in the collections of the Wiener Stadt- and Landesbibliothek (Vienna City Library), in that of the Historisches Museum der Stadt Wien (Historical Museum of Vienna), and in private hands. The sketchbook reproduced here is from the Serge Sabarsky Collection, New York. The original sketchbook, which dates from 1910-1913, includes a number of important paintings from this period. In addition to the numerous drawings relating to Schiele's artistic oeuvre, there are several architectural sketches among the pages. There are also fashion sketches, including one for a tunic in the style favored by Schiele's mentor Gustav Klimt. Other pages contain miscellaneous notations, addresses, and calculations.

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AMARILLO Y ROJO

2003 grafito y acuarela/papel 29,9 x 21,1 cm

OCHYMING´S SKETCH DOODLINGS

www.ochyming.blogspot.com

PEDRO MARTINEZ SIERRA

El dibujo como instrumento de reflexión de la realidad y espejo del propio pensamiento de artista es la propuesta que nos plantea la obra de Pedro Martínez Sierra.

Bajo el sugerente título de Pieles inciertas una serie de dibujos y acuarelas sobre papel nos introducen en el proceso creativo de este artista madrileño, considerado por los especialistas como uno de los dibujantes más destacados del panorama nacional.
Con una mirada analítica posada sobre el propio lenguaje del dibujo y continuas referencias al pasado Pedro Martínez Sierra plantea, no sin cierta ironía, una profunda reflexión sobre la existencia humana y la apariencia efímera de las cosas. Para ello se sirve de dos temáticas aparentemente inconexas, el desnudo femenino y el mundo del taxidermista, unidas por un complejo juego de asociaciones y disociaciones.
En torno al desnudo femenino, retorna los grandes temas de la pintura como el pintor y la modelo y, al igual que Picasso en su última, época, establece un profundo diálogo con su creación. Elementos simbólicos como la calavera le permiten introducir el factor tiempo, vanitas que preludian la muerte, muerte aparente o ficticia como la de esos extraños y misteriosos o animales disecados simulando la vida. La realidad, representada como tal, se enmascara a sí misma a través de un laborioso y meditado proceso creativo para transformarse en creación plástica.

ALMACEN

PAISAJE ANTES DE LA TORMENTA

2008 óleo/lienzo 18 x 24 cm

¿PARA QUE SIRVE AL ARTE?

"Según Robert Hughes, el papel que le ha tocado al arte en nuestra sociedad de medios de comunicación de masas es "ser capital de inversión". Un arte político eficaz es imposible en nuestros días, porque los artistas deben ser famosos para que les escuchen, y a medida que ellos ganan fama su arte gana valor, e ipso facto se vuelve inofensivo. "En lo referente a la política, la mayor parte del arte aspira a la condición de hilo musical. Aporta una melodía de fondo al poder". Hughes volvió al ataque en un discurso pronunciado ante la Royal Academy en junio de 2004, después de que un Picasso de su primera época fuera vendido en Sotheby's por cien millones de dólares el mes anterior. Esa suma equivale al PIB de algunos estados caribeños y africanos, y, señala Hughes, "algo está muy podrido" si los muy ricos de Occidente pueden gastar esa cantidad en una pintura: "Actos como ese no honran al arte. Lo envilecen, porque vuelven patológico el deseo de arte". Citó las palabras del amigo y biógrafo autorizado de Picasso, John Richardson, que dijo que ninguna pintura valía tanto y que el comprador "tendría que haber entregado ese dinero para una causa mucho más importante". En clara alusión al tiburón sumergido en formaldehído de Damien Hirst [The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991], Hughes condenó la confianza del arte contemporáneo en las tácticas de impacto: "Sé, como la mayoría sabemos en el fondo de nuestro corazón, que en una cultura donde todo vale el término 'vanguardia' ha perdido hasta el último vestigio de su significado original". El crítico del posmodernismo Fredric Jameson comparte el pesimismo de Hughes, casi siempre por las mismas razones: "En líneas generales, la producción estética actual se ha integrado en la producción de artículos de consumo (...)"En julio de 2004 tuvimos una muestra de la reacción pública a estas tendencias cuando una celebrada obra de arte contemporáneo sufrió un accidente fatal. La obra en cuestión era un busto de la cabeza del escultor Marc Quinn realizado con casi cinco litros de su propia sangre congelada y titulado Self. Había sido comprada en 1991 por Charles Saatchi -por 13.000 libras esterlinas, según se dijo- y conservada en un frigorífico, como su naturaleza requería. Los albañiles que remodelaron la cocina en la casa de Saatchi en Eaton Square, al desconocer el contenido de la nevera, la desconectaron, y dos días después advirtieron que estaba rodeada de un charco de sangre. La ligereza con que la prensa británica se refirió al incidente no admite dudas. (...) El Times recordó sarcástico otros "accidentes" sufridos por algunas obras de arte moderno. Una creación abstracta de John Chamberlain realizada a partir de chatarra de automóviles fue retirada por los barrenderos cuando alguien la dejó momentáneamente sobre la acera a la puerta de una galería de Nueva York. Los mozos de una casa de subastas retiraron el envoltorio de papel de embalar de una silla sin darse cuenta de que era parte integral de una escultura de Christo.

(...) Tanta irreverencia resultó ser un mero anticipo de la explosión humorística provocada por le incendio del almacén del Momart en mayo de 2004. Entre las víctimas se contaron dos de las obras más celebradas de la colección Saatchi: la tienda de campaña de Tracey Emin (adornada con los nombres de todas las personas con las que se había acostado) y Hell, de los hermanos Chapman (un tableau de soldados de juguete mutilados por los que Saatchi había pagado medio millón de libras esterlinas). El artista Sebastian Horley expresó la reacción general, aunque en términos menos comedidos que la mayoría:

Lo único que lamento es que los artistas no hayan estado en la pira funeraria. Eso sí que hubiera sido grandioso [...]. Los artistas desempeñan el bien remunerado papel de bufones de la corte [...]. ¿Por qué han permitido que les ocurriera a ellos? Los premios Saatchi, Jopling, Turner... son premios para tránsfugas y desertores, para forajidos de cartón que se ponen de rodillas para ser premiados por una sociedad a la que juran despreciar. ¿Dónde ha quedado el desafío? ¿Por qué la generación punk se ha vuelto tan dócil, tan impotente? ¿Por qué estrecha la mano de la realeza del mundillo artístico y se mueve en los mismos círculos que su obra supuestamente denuesta?

Extracto de ¿PARA QUÉ SIRVE AL ARTE?, John Carey, 2005

LA RIBOT

1995

NOLI...

2004 grafito/papel 29,9 x 21,1 cm

...ME TANGERE

2004 grafito/papel 29,9 x 21,1 cm

EN MIS OJOS TE LLAGASTE

UN HOMBRE

Por Cecilia Rodriguez Alvarado

Los sueños alcanzan siempre a quien es acreedor de ellos.

Imágenes superpuestas de vos mismo desde cualquier creación atravesada por el frío de alguna atormentada tormenta, de algún cielo perdido...visos de ternuras escapadas de algún pincel que escribió en colores. Lienzo que clama desde tu respiración acompasada mirando algún precipicio solar.

Siempre en busca de lo que te acune.

No se a quién creerle más, si al hacedor o a la creación. Muchas maneras de aliviarte desde el fondo de esos ojos que proclaman alguna desesperación, desde tu mano en reposo y tu entera fisonomía que te hace creíble, tierno y hasta vulnerable.

¿Las aves aún cantan?

Y entre todo, el tenso revés de la naturaleza para asomarte a la ventana de la inspiración, al don, al clamor de tu alma. Bajo tus pies etéreos existe una nueva posibilidad, la melodía de mirarte u ocultarte, de fatigarte o salvarte.

Dos hombres amantes de lo inasequible. Mira el de atrás, se hunde en retracciones el que lo avasalla desde un negro perpetuo. Melodías de la forma insisten en ser claras, aunque duela. (Tu forma estalla en sueños y desnudez)

¿Las aves emigran?

Vuelven los aleteos flagrantes de la inspiración y el espejo, de la ausencia y los recodos, de las caricias y los besos del color que aún no fueron dados. El azul está mutando de sombra y en tu cabeza pululan resabios de imágenes.

Los dioses emergen melindrosamente para atizar las oscuridades y entregarte tu letal vaticinio perenne de la figura y el esplendor mientras vos hurgás con empecinamiento en los misterios del tiempo para que se lean las curvas, se amen los contrastes, se rocen los instintos.

¿Las aves acarician la luna?

Un retrato. Un creador y la infinitud de su esencia.

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THE DRAWING ROCKS ( A BARRON )

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EL OTRO ( A GABRIEL )

Por Jorge Luis Borges

Sentí de golpe la impresión (que según los psicólogos corresponde a los estados de fatiga) de haber vivido ya aquel momento. En la otra punta de mi banco alguien se había sentado. Yo hubiera preferido estar solo, pero no quise levantarme en seguida, para no mostrarme incivil.

...

-Si esta mañana y este encuentro son sueños, uno de los dos tiene que pensar que el soñador es él. Tal vez dejemos de soñar, tal vez no. Nuestra evidente obligación, mientras tanto, es aceptar el sueño, como hemos aceptado el universo y haber sido engendrados y mirar con los ojos y respirar.

...

-Todo esto es un milagro -alcanzó a decir- y lo milagroso da miedo.

...

He cavilado mucho sobre este encuentro, que no he contado a nadie. Creo haber descubierto la clave. El encuentro fue real, pero el otro conversó conmigo en un sueño y fue así que pudo olvidarme; yo conversé con él en la vigilia y todavía me atormenta el encuentro.

El otro (fragmentos)

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