EL ARTE DE LA PINTURA

Por Emilio Eiranova

“Hoy he tenido la grata sorpresa de encontrarme con un e-mail de este pintor en el que me invitaba a ver su obra. La he visto, y aunque la conocía, le he dedicado un tiempo de reflexión. Antes de exponer mis conclusiones, te agradezco Eduardo tú e-mail, y esta opinión que escribo tiene toda la honestidad con la que tú pintas. En otra entrada de este blog hablaba de la importancia del "trazo" en el dibujo; ello lo hacía a propósito de la función del punto y la línea sobre el plano. Pues bien, a Eduardo Alvarado se le va el carácter en el dibujo. Al acercarse a la realidad y contemplarla, Eduardo tiene como motivo preferido al hombre. La inmensa mayoría de su obra es figurativa. Mira al hombre, y cuando lo hace no es por un afan de belleza, sino para buscar y deshacer el enigama que lo envuelve. Eduardo no imita lo que ve, lo escudriña, lo abre, y mira en su interior para ver lo que encuentra. Para ello, su dibujo se deja llevar por el carácter del pintor, buscando en la figura algo de esa dimensión escondida del hombre que siempre parece terminar por perderse. Sus trazos desiguales, puestos encima de las manchas, las rayas: de aquí para allá, parecen cortes en la realidad por donde se quisiera que el hombre descubriese su esencia al pintor. En realidad, no existe otro hombre en el que mirar que uno mismo, y por ello digo que en su intento, Eduardo, se deja el carácter en cada línea y cada mancha de dibujo. Su dibujo es introspectivo, psicoanalítico. Se aleja de la realidad todo lo que puede para hundirse en el misterio de la psicología del hombre. Sólo queda conectado por la realidad por la mínima expresión formal de la figura. El propio Eduardo no niega su admiración por Klimt y Schiele. A mi modo de ver, Eduardo se acerca más en el carácter y en el estilo a Schiele. Tienen la misma preocupación introspectiva que, curiosamente, a los dos parece llevarles a lo que quizás no sea el mejor lado del hombre. En la exploración del interior del hombre Eduardo sólo llega a la expresión psicológica de la angustia, el vacio de la muerte, el sexo, los huesos. Reconozco que la obra de Eduardo Alvarado me gusta y me inquieta. Me gusta por lo brillante, simple y lo fresco de sus dibujos; me inquieta porque no extrae nada positivo de su visión sobre el hombre. El artista debe exprear lo que siente, y en esto Eduardo es honesto; pero el Arte debería traernos a este mundo lo mejor que hay en él. Queridísimo Eduardo, entre las tripas, los huesos y la psicología del hombre, jamás verás su alma. Para encontrarla en la búsqueda que tanto te preocupa, se necesita de Dios. Termino volviendo a darte las gracias por tu e-mail y por la honestidad de tu trabajo. Al lector de este blog le remito a la página web de este magnífico pintor: www.eduardoalvarado.com .”

www.elartedelapintura.com

THE SMALL DRAWINGS OF ROBERT SIM

www.robertsim.blogspot.com

THE PIANO TUNER OF EARTHQUAKES

REMEMORY

Bill Koeb pushes the limits of mixed-media fantasy and surreal artwork. His work spans a variety of styles and media, from covers for DC and White Wolf to the paintings for the film "The Crow, City of Angels" to editorial illustrations and sequential art. But always there is a common thread: the search for truth and beauty.

“In these pages you will find the many facets of Bill's personality and skill - from his initial, sometimes cryptic sketches, to more polished thoughts and full-blown paintings. It's enjoyable to watch the work progress, to see his thinking process from sketch to finish. What's more, you'll discover someone who is thrilled to be painting and drawing, for whom the very act is second nature.”
George Pratt, from the introduction to the book ReMemory: The Art of Bill Koeb

Bill Koeb by George Pratt

www.koeb.com

EL ROSTRO EXPRESIVO

Pocas veces tiene uno la impresión de encontrarse con una pintora profunda y de verdad, y en este caso se produce sin duda alguna. Se vuelve a repetir la misma impresión que tuve cuando penetré hace un año en la sala de Galería Drum, y se volvió a repetir cuando bajé las escaleras de Galería 16 de Donostia cuando se estaba montando la actual exposición de esta artista alemana afincada desde hace años entre nosotros.

Bárbara Stammel presenta sobre papel y lienzo una serie de rostros de su hermana, algunos niños y adultos, adscritos al realismo expresivo en los que vuelca con pasión y fiereza, con verdad y frialdad todo un cúmulo de sensaciones y vivencias sobre la deshumanización del ser humano en la sociedad en la que vivimos, nos deconstruimos, y nos vamos descomponiendo poco a poco, por múltiples y diversos factores y motivos.

Se trata de rostros frontales, o ligeramente ladeados, trazados sobre fondos neutros y blancos, en los que a manera de fotografías de fotomatón, nos presenta retratos, fundamentalmente de mujeres, con miradas fijas o perdidas, que reclaman rabiosamente nuestra atención, desde la soledad, la fiereza o la total brutalidad de la propia existencia y su propia vida. Desarrolla para ello una pincelada, paletada, o la propia mano con la que pinta, magra y cargada en ocres, rosas y rojos, como a manera de trallazos de pintura, para descarnar todavía mas la piel del ser humano, y dejarnos su existencia en carne viva. Es precisamente ahí cuando comienza el juego con otro tipo de miradas y lecturas mas profundas, cuando tras la fiereza del trazo y la textura de la piel, logra algo que la fotografía nunca logrará plasmar, la hondura y profundidad del alma humana a través de la pura y simple textura. Y sin embargo la intersección de lenguajes bien puede enriquecerse mutuamente y plantear un diálogo fértil y abierto en todos los sentidos.

De este modo resultan verdaderamente fuertes y cargados de un realismo brutal los retratos de su hermana, los de algún niño negro, algo mas tierno, y cargado de colores y sueños sobre su cabeza, o el magnífico retrato ladeado femenino que preside la ‘‘Stanza’’ de galería. Hay en este retrato muchas horas de reflexión y consciencia sobre la realidad descarnada de la mujer, como animal sensible y doliente en este planeta. Nos descompone y reta con su mirada, nos descentra con sus carnes rojas, nos pide en definitiva, atención y confianza. Algunas relecturas de Bacon, de Freud, de Hooper, de muchos realistas y expresionistas del siglo XX están en la base y el depósito mental de esta artista, cargada de fuerza y de sagacidad para penetrar en la intránima del ser humano.

Edorta Kortadi en el Diario Deia el 1 de Octubre de 2005

www.ispiluarte.org

EGON SCHIELE´S DREAM TO SAVE KLIMT´S STUDIO

VIENNA. Gustav Klimt’s studio is to be restored and opened to visitors.Once a small country cottage surrounded by fruit trees, the house at 11 Feldmühlgasse was expanded several times after Klimt’s death.The plan now is to demolish 90% of the building, leaving only the original core which Klimt occupied from 1912 until his death in 1918.The studio lies seven kilometres west of the centre of Vienna, in Heitzing, in what was then countryside.Klimt was living in his mother’s apartment in Westbahnstrasse, in town, and renting a workspace offered a place where he could embrace a more Bohemian lifestyle.There was scandalous talk of what went on at the studio, with models wandering around in the nude.According to his artist friend Carl Moll, every day “several were at his beck and call”.Klimt was a notorious womaniser, and there were rumours that he eventually fathered up to 16 children.When Klimt rented the small house, which was built in around 1860, he installed a large window on the north side, enabling him to use the main room as his studio.He lavished great love on the garden, tending roses among the yew trees.Two of his original rose bushes still survive, and these are also immortalised in his 1912 painting Orchard with Roses.Following Klimt’s death in 1918, his friend Egon Schiele (who himself was to die later that year) made what was then regarded as a crazy suggestion.He wrote about the Feldmühlgasse studio: “Nothing should be removed—because everything connected with Klimt’s house is a gesamtkunstwerk [total work of art] which must not be destroyed.The unfinished pictures, brushes, easel and palette should not be touched, and the studio should be opened as a Klimt Museum for the few who enjoy and love art.” It is almost miraculous that Klimt’s studio has survived.The Austrian government has now agreed to save the studio, and is to hand the property over to the Belvedere (which still has the largest collection of Klimt paintings).It will be offered rent-free, together with a contribution of €2m ($2.9m) for the restoration.All post-1918 additions to the building will be demolished, and the original four-room bungalow restored as closely as possible to how it originally looked.What makes the reconstruction of Klimt’s studio such an important opportunity is the survival of the furniture, which had been made by Wiener Werkstätte designer Josef Hoffmann.This was created as an ensemble, and was designed for Klimt’s requirements, with a large wall cabinet for his books and equipment, and seats for talking with clients.Originally made for an earlier studio in Josefstädter Strasse, the furnishing were moved to Feldmühlgasse in 1912.Such was the influence of Hoffmann’s furniture on Klimt that he apparently used the black-and-white band design from it as a decorative element in the background of his Portrait of Adele Bloch-Bauer.This important painting was among those restituted last year from the Belvedere and it was subsequently bought by Ronald Lauder for his Neue Galerie.Another collector is to lend Japanese prints and African sculptures originally owned by Klimt. This will house the artist’s archive, which is owned by the Belvedere.Although two thirds of Klimt’s garden has over the decades been lost to new apartments, it still remains a tranquil spot, and it will be brought back to its original form.Klimt’s visitors recall it full of bumblebees and songbirds.

Martin Bailey in the Art News Paper 1.11.07, Issue 185

DESNUDO

2002 carbón/papel 30 x 40 cm

PAJAROS DE FUEGO

“La sexualidad pierde su fuerza y su magia cuando se hace explícita, automática, exagerada, cuando se convierte en una obsesión mecánica. Llega a ser aburrida. Usted nos ha enseñado mejor que nadie lo erróneo que es no combinarla con la emoción, la sed, el deseo, la lujuria, los antojos, los caprichos, los lazos personales, las relaciones más profundas, que cambian su color, su sabor,sus ritmos y sus intensidades. No sabe usted lo que pierde con su análisis microscópico de la actividad sexual y la exclusión de todo lo demás, sin el combustible que la enciende: lo intelectual, lo imaginativo, lo romántico, lo emotivo. Es todo esto lo que da a la sexualidad sus sorprendentes texturas, sus sutiles transformaciones, sus elementos afrodisiácos. Usted reduce el mundo de sus sensaciones. Lo está marchitando, lo hace pasar sed, lo deja sin sangre... No hay dos pieles que tengan la misma textura, nunca hay la misma luz, ni la misma temperatura ni las mismas sombras, ni tampoco el mismo gesto; porque el amante, cuando está encendido por un verdadero amor puede recorrer la interminable historia de tantos siglos de cuentos de amor. Una enorme gama, enormes cambios de época,v ariaciones de madurez e inocencia, perversidad y arte, animales graciosos y naturales.”

Anaïs Nin

EL GRITO

2007 mixta/papel 29,6 x 20,9 cm

MASCARA

2007 óleo/lienzo 40,5 x 30 cm

ACTUAL

KWAIDAN

On his own works, Kent Williams comments:

“My paintings, while maintaining, I hope, a sense of timelessness, tell something about our time on earth today, and in doing so, discovering that thethings that are told, are about life’s continuum – the thread of human emotion and existence.”

www.kentwilliams.com

VIGIA

2005 mixta/papel 29,9 x 21,1 cm

DAYS BETWEEN

www.kenrosenthal.com

MY MODE OF THOUGHT

“You say that one cannot approve my mode of thought....My mode of thought is the result of my own reflections. it is a part of my life, of my own nature. It is not in my power to alter it, and if it were in my power to alter it, I should not do it. This mode of thought, which you condemn is the only comfort of my life: it relieves all my sufferings..., provides all my pleasure in this world; it means more to me than my own life. It is not my mode of thought that has caused my misfortunes, but the mode of thought of others.”

Marquis de Sade in the Barron storey´s Marat/Sade Journals

MANOS

2002 carbón/papel 30 x 40 cm

CRISTINA

2002 cera/papel 20,5 x 28 cm

IN SITU

On her own paintings, Harriet Barber comments:

“I am uncompromising about painting in situ. All my landscapes and seascapes have been painted, from start to finish, on the spot - with the view in front of me.”

“My work has continued on the solid technical foundation that I gained during my postgraduate degree at the Slade, under the tutelage of Euan Uglow.”

www.harrietbarber.com

RHINOWALL

La Cueva Chauvet-Pont-D´Arc

LAS CABEZAS TROCADAS

Las cabezas trocadas esconde bajo la forma de una ingenua y encantadora narración de aires hindúes una reflexión recurrente en la narrativa de Thomas Mann: los conflictos entre el arte y la vida. La anécdota de la que parte es bastante sorprendente: dos jóvenes enamorados de una misma chica intercambian sus cabezas por la intervención de una divinidad hindú. Ella ama la interioridad de uno y el cuerpo del otro, pero ese peculiar intercambio no resuelve el problema, sino que plantea nuevos conflictos entre los tres protagonistas. Sin embargo, y pese al encanto del planteamiento de esta historia y al aire de leyenda popular que Mann logra crear, si Las cabezas trocadas es considerada una de las más importantes obras breves de Mann es por las muchas lecturas que sugiere y por las diversas reflexiones a las que invita al lector.

I, ETERNAL CHILD

written & directed by Patrick Kennelly

MATERNIDAD

2003 acuarela y grafito/papel 21,1 x 29,9 cm

LAS IDEAS ESTROPEAN LA PINTURA

Una recopilación de textos del historiador del arte Ángel González propone lecturas y puntos de vista inusuales sobre la práctica artística. Pintar sin tener ni idea reclama una experiencia corporal con la creación, las sensaciones de estar físicamente en el mundo.

Pintar sin tener ni idea parece un título heterodoxo para un crítico e historiador del arte. Pero encaja perfectamente con la postura de Ángel González (Burgos, 1948), un pensador ecuánime y apasionado a partes iguales, lúcido y polémico. Un amante del arte en estado puro que no da demasiada importancia a las derivas actuales de una industria y un sistema que le parecen inútiles. Pintar sin tener ni idea (Lampreave y Millán) es una recopilación de textos escritos por él para conferencias o presentaciones de catálogos de exposiciones. Pese a su diversidad es posible seguir a través del conjunto varios hilos conductores que señalan por dónde van las ideas e intereses del autor. El ensayo que da título al libro se refiere a "la otra orilla de la vanguardia", como dice él, al arte creado por locos y presidiarios. Una creación que responde a un impulso ingobernable, desinteresado y fuera del sistema. El territorio por el que este profesor de historia del arte contemporáneo en la Universidad Complutense y Premio Nacional de Literatura en 2001 por su ensayo El resto transita sin ceñirse a reglas establecidas.

PREGUNTA. Una persona aislada que siente el impulso irreprimible de crear formas con las manos, ¿está haciendo arte?

RESPUESTA. En el libro hablo al menos de un par de ocasiones de ese maravilloso espectáculo que constituyen las sobremesas que se prolongan entre amigos. Cuando involuntariamente la gente empieza a manipular los restos de la comida. Las mondas de las naranjas, las migas de pan, los corchos, los alambres de las botellas de champán. Parece que la cualidad principal del ser humano es no poder tener las manos quietas. Ese irrefrenable deseo de dar forma a las cosas. Dalí publicó en los años sesenta un artículo en la revista Minotaure, que tituló Esculturas involuntarias, donde se ven billetes de metro retorcidos, trozos de jabón, figuritas de migas de pan. ¿Que esto sea de orden artístico?, no lo sé. No pretendo reivindicar lo que hacen estos presuntos artistas indoctos, lo mío es una reivindicación apasionada y hasta cierto punto insistente y violenta de la laboriosidad. Del hacer. Y del hacer manual sobre todo.

P. El homo faber.

R. La portada del libro reproduce un detalle de un maravilloso vestido de novia que una loca francesa fabricó a espaldas de sus guardianes con todo tipo de trozos de telas, hilos y trapos que encontró. Siempre me ha parecido una cosa conmovedora y emocionante. Es algo orgánico, que parecen nidos de pájaro. En el segundo de los ensayos, titulado Evidentemente, que está dedicado a los artistas videntes, pienso en estas mujeres que tejen. El trabajo del tejer. Es muy significativo que la segunda acepción de la palabra "labor", en el María Moliner, sea la de las labores femeninas, que para mí constituye el paradigma de la laboriosidad. Entre otras cosas por lo que tienen de vehículo alucinatorio, puesto que estas tareas repetitivas, monótonas, producen estados de alteración de la conciencia. Es un tema del que hablo con frecuencia, el del arte asociado a los estados alterados de la mente.

P. ¿Como punto de partida?

R. No tengo duda de que el arte en su origen fue algo asociado a la alucinación, a estados de trance. Todo esto en el arte profesional se ha olvidado, solapado, quedado oculto por muchas cosas: el sistema de aprendizaje del oficio, la ideología, las estrategias de toda índole que mediatizan el trabajo artístico. Dicho sin malicia. Y solamente en estos artistas indoctos encuentro este estado original de trance.

P. Usted escribe: "Las ideas sobran en pintura, siempre han sobrado".

R. Cuando digo Pintar sin tener ni idea lo tomo también en una segunda acepción, que toco en varios ensayos. Y es que creo que se debe pintar sin ideas. Las ideas estropean la pintura. Ideas y pintura no se llevan bien y, si lo hacen, se producen cosas abyectas o siniestras. Porque al final los pintores de ideas suelen pintar las ideas de los que mandan. Y es que la pintura se ocupa de nuestras sensaciones físicas, corporales. Para expresar ideas tenemos otros medios, uno extraordinario es la filosofía. El arte recrea las sensaciones de estar físicamente en el mundo. Es algo de orden fisiológico.

P. Lo de expresar sensaciones se ve quizá más claramente en la pintura abstracta.

R. Creo que la pintura abstracta ha tendido más hacia lo espiritual y lo ideal. De hecho, las circunstancias en que surge la pintura abstracta en Europa son inequívocas: aparece en un contexto espiritualista. El Museo Guggenheim de Nueva York, que fue el gran templo de la pintura abstracta, fue fundado y financiado con el fin de sostener, defender y demostrar la espiritualidad del arte. Aquello tiene más de iglesia que de cualquier otra cosa. Y aquí nos encontramos con otro problema: el arte y la religión no tienen nada que ver. No es que no deban tener nada que ver o que a mí me lo parezca, es que así es.

P. Pero parte de la pintura occidental nació bajo la protección de la Iglesia.

R. Sí, pero el arte que pasa por religioso no parece que satisfaga los intereses de la religión. Si piensas un poco en ello, las grandes obras de arte religioso no son nada eficaces. No se sabe de ningún buen cuadro que haya producido milagros, por ejemplo. Los milagros están asociados a imágenes horrendas. Las vírgenes de Rafael nunca han devuelto la vista a los ciegos ni han hecho andar a los cojos. ¿Ha visto alguna vez a alguien arrodillado ante un cuadro en un museo? E incluso en las iglesias, no son los mejores cuadros los que más atraen la atención de los fieles, sino los más tenebrosos en oscuras capillas. Las vírgenes más feas y los cristos más sangrientos y retorcidos.

P. Se refiere en uno de sus textos a "ese engendro llamado Historia del Arte". ¿En qué sentido lo dice?

R. Quizá lo he dicho en un sentido más inocente o candoroso de lo que parece. Creo que el arte trasciende, afortunadamente, la historia. El arte nos permite sustraernos a la historia. Sánchez Ferlosio ha dicho siempre que la historia no es más que el escenario de todos los crímenes. En esa medida, pienso que la experiencia artística es ahistórica, transhistórica. Seguramente, los hombres que tuvieron las primeras sensaciones artísticas eran iguales a nosotros. Salvo para los que están empeñados en decir que el arte tiene que ser hijo de su tiempo y que esa filiación es una cualidad. Eso no es una cualidad, es una fatalidad.

P. Hace años que se retiró de la crítica de arte en los medios de comunicación. ¿Por qué?

R. Es algo que implica muchas obligaciones, hay que trabajar con poco tiempo, a veces, en cosas que no te apetecen demasiado. Terminó por parecerme algo deprimente. Lo que acaba resultando más fácil es terminar metiéndote con la gente, es más fácil hablar mal de alguien que hablar bien.

P. ¿Pero tiene la crítica de arte hoy algún papel relevante?

público de los artistas. Críticos como el propio Diderot decían que había que bajarle los humos a los artistas, que se creían los árbitros definitivos en materia de arte, y que el público también tenía derecho a opinar. Con el tiempo, los críticos tuvieron que terminar defendiendo a los artistas. Ahora no sé muy bien qué es lo que hacen. En un momento determinado me decepcioné de esta especie de pasión por opinar constantemente sobre todo.

P. ¿Qué impresión le produce la asistencia masiva a las grandes exposiciones?

R. No lo sé, no voy mucho a museos, la verdad. Voy menos que a parques temáticos. Pero es curioso ver que el gran asunto de los parques temáticos es la historia. La historia pasada se ha constituido en el gran entretenimiento popular de nuestro tiempo: los egipcios, los mayas... Es lo que sucede con el cine y las novelas históricas. Yo no voy a museos, y no voy porque el arte está escrito en nuestro cuerpo. Donde más aprendo de arte es en el campo, viendo los árboles, el mar, los pájaros volando. Si el arte es algo es reencarnación, reorganización de esas experiencias del mundo. Un constante y sabroso contacto con la luz, con el agua.

P. ¿Los artistas han perdido ese contacto?

R. El problema de los artistas es que se han embarcado en ese disparate de hacer arte, de vivir de eso. Pobrecillos, es algo que no recomendaría a nadie. El último de los ensayos incluidos en el libro atañe a lo que digo de los museos. Intento explicar que lo que más me gusta del Museo del Prado -y en eso coincido con Tita Thyssen, aunque el artículo es anterior al encantador encadenamiento de la baronesa- son los árboles. En él no hago más que darle la razón a Paul Valéry, quien decía que, dentro del museo, uno recuerda el buen tiempo que hace fuera. Si digo eso de un gran museo como es el Prado, qué podría decirte de estos museos improvisados hechos a golpe de talonario que han proliferado los últimos años en España. Hay algo que me preocupa mucho en todo esto y es que el dinero de los contribuyentes se esté gastando a menudo con esta alegría y sin preguntar siquiera. Los millones que se han gastado en el Musac de León han salido de nuestro bolsillo.

P. ¿Cómo es que usted se indigna tanto por esto como una persona de la calle que no tiene mayor conocimiento del arte contemporáneo?

R. La gente de la calle está verdaderamente derrotada. Han sido silenciados porque les han inculcado que reírse de ciertas cosas modernas es un delito. De que hay una obligación, un imperativo moral, político, social, de ser una persona de su tiempo. ¿Por qué ha de gustarle a uno el arte de su tiempo, caiga quien caiga? La gente sencilla, a quien estaba destinado el arte -porque el arte si es algo es la casa de los pobres-, ha sido anulada. Ya no se oyen risas en las exposiciones.

P. Como ante la Olympia de Manet.

R. Sí. Como decía Bataille: "Se rieron con una risa inmensa". El libro contiene un extenso ensayo sobre Manet, en el que yo sostengo que la gente se reía de la Olympia porque Manet era un caricaturista. Era lo que Manet pretendía, que la gente se riera. Las últimas risas que escuché en una exposición fue en una de Bruce Nauman en el Reina Sofía, donde había un vídeo que recoge las desventuras de un payaso en un cuarto de baño. ¡El celador mandó callar a una pareja que se estaba riendo de algo evidentemente cómico! El arte se ha convertido en una payasada monumental. Una payasada a la que no deberíamos contribuir. No sé si deberíamos plantear una especie de huelga contra los museos contemporáneos, o contra los museos en general. ¿Por qué no? No tienen que ver con el arte sino con la industria de las imágenes. Es una pena que el arte, que fue concebido para hacer más grata la estancia del hombre sobre la tierra, se haya convertido en algo que es una fuente de obsesiones, de preocupaciones, manías. Y luego están todos esos artistas que se dedican a agobiarnos. Montones de artistas que se dedican a denunciar la triste situación de los pobres. ¿Pero eso a quién va dirigido, a los ricos o a los pobres? Los pobres ya lo saben, no tiene que venir un Santiago Sierra a explicárselo. El arte se ha convertido en una forma de dar caña. Como si no tuviéramos ya suficiente. Nos dan caña en el trabajo, en el museo, en casa. ¿Y dónde pasamos un buen rato? Yo siempre digo, en la discoteca. Yo les digo a mis estudiantes, mientras haya discotecas hay esperanza.

Fietta Jarque entrevista a Angel Gonzalez García en el Diario El País el 5 de Abril de 2008

URRACAS

2002 tinta/papel 40 x 30 cm

SI ANTES DE QUE SALGA...

Por Julio Hontana

Si antes de que salga la luna has cerrado los ojos no verás entre las copas de los árboles a los chillones murciélagos, a los aviones por sus luces, a los veloces satélites, ni las nubes iluminadas por la espalda... cosas sin importancia, me decías. Si antes de que salga el Sol no has despertado te perderás el olor del rocío, la humedad del suelo retemblando de frío, el agua sonar en el río como ropa limpia que se dobla y a lo lejos las campanas que recuerdan que hoy comienza un día, imposible de repetir mañana. Si no despiertas ni esta noche, ni luego, ni pasados tres días, será que has decidido acompañarme en este oscuro y sordo viaje; pero si no es así, si regresas a la vida, recuerda y no olvides el cariño, los besos, y el sexo de las tardes envuelto en el jersey dentro de la cartera colgada tras la puerta.

www.literartura.blogspot.com

IN AN INTENTIONALLY SCHIELE LIKE MANNER

www.koeb.com

AASGAARDSTRAND, AROUND 1904

Edward Munch

“The camera cannot compete with painting as long as it cannot be used in heaven or hell.”

CAMINANTE

2002 monotipo 40 x 30 cm

CONTE DÉMONIAQUE

Firmin Aristophane Boulon, dit Aristophane, est un auteur de bande dessinée né le 8 janvier 1967 en Guadeloupe et décédé le 11 mai 2004.

Ancien étudiant de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris puis de l'École supérieure de l'image à Angoulême, Aristophane est un météore de la bande dessinée des années 1990. Son travail est d'emblée considéré comme un classique du futur par la critique. Son œuvre, extrêmement sérieuse, aborde des questions philosophiques ou religieuses complètement inédites en bandes dessinées, avec un beau dessin classique en noir et blanc.

Un accident survenu à la fin des années 90 compromettra la continuation de l'œuvre d'Aristophane sur le compte duquel diverses rumeurs circuleront : il aurait répudié son œuvre passée, il aurait renoncé à la bande dessinée, ou, au contraire, il ne désespérerait pas de s'y remettre... Il décède à 37 ans laissant derrière lui bien des mystères.

Ce Conte Démoniaque est d'un souffle et d'une puissance vraiment hors du commun, une oeuvre qui mérite mille fois qu'on la lise et s'y attarde. Sa construction, l'écriture des dialogues, dénote un talent et une finesse d'écriture magiques.

300 pages au cours desquelles le dessin mue pour atteindre la pleine possession de ses moyens, souvent proche de l'abstraction, rendant palpables la chair molle des corps et la désolation des espaces.

Chacun des personnage qui apparait tour à tour sur le devant de la scène, âmes et démons à la consistance surprenante, sont brossés malgré eux comme les pions insignifiants du grand damier des enfers, se débattant en tous sens, tentant de survivre ou de tirer la couverture à eux, malgré la fin qui s'annonce.

Le Conte Démoniaque est un livre grandiose dont il y a fort à craindre qu'elle ne sera pas rééditée, tout comme elle est passée quasi inaperçue, et semble le rester.

Une oeuvre pourtant pure et dure, comme on ne cesse d'en entendre réclamer.

Cette histoire de la fin des enfers est belle et triste à pleurer.

SOME DISORDERED INTERIOR GEOMETRIES

American photographer Francesca Woodman (1958-1981) is best known for black-and-white pictures of herself and of female models, which still draws new fans. Many of her photographs show young women nude, blurred (due to movement and long exposure times), merging with their surroundings, or with their faces obscured. Years after her suicide at the age of 22, her photographic works became the subject of much attention, including many exhibitions and books.

PIZARRAS BIZARRAS

ACCION PIZARRA FIESTA
Vestíbulo y Sala de Exposiciones de la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Logroño.
Viernes 9 de Mayo a las 20:00 h.

2006 grafito/papel 21,1 x 29,9 cm

PALETA

SIGUE TU CAMINO

“No te entretengas en los hermosos versos,
en las sentidas canciones,
que otros han escrito
no te entretengas demasiado en escuchar la canción,
sigue tu camino
crea tu destino
es hermoso
grande o pequeño
o más amplio.
Es grande tu destino
es hermoso vivir.”

Jose María Mezquita

DESNUDO CON DESASOSIEGO INTERIOR

2002 grafito/papel 29,9 x 21,1 cm

BREATH

The characteristics of Haruno Kira's works are a beautiful fusion of various musical concepts including modern jazz. Since her educational background as a composer was received at Berklee, she loves the improvisational parts of the free jazz style. However, she does not ignore classical harmony entirely. In her works, the composer moves freely and beautifully from free jazz to classical ideas. Her soulful jazz spirit, which was inspired at Berklee, gives her music such a brilliance. Various musical elements are connected naturally but objectively in her mind.

AUTOBIOGRAFIA

Por Hermann Hesse

“Nací hacia finales de la Edad Moderna, poco antes del incipiente retorno del Medioevo, bajo el signo de Sagitario y amablemente influido por Júpiter. Mi nacimiento se produjo a primera hora de la tarde un cálido día de julio, y la temperatura de aquella hora es la que, inconscientemente, he amado y buscado durante toda mi vida, y la he añorado dolorosamente cuando me faltó. Nunca pude vivir en países fríos, y todos los viajes voluntarios de mi vida se dirigieron al sur. Fui hijo de padres religiosos, a quienes amé con ternura y a los que habría amado más tiernamente si no se me hubiera enseñado el cuarto mandamiento a edad temprana. Pero, lamentablemente, los mandamientos siempre han ejercido en mí un efecto fatal, por muy justos y bien intencionados que fueran - yo, que por naturaleza soy un cordero y tan dócil como una burbuja de jabón, siempre he sido reacio a los mandamientos de todo tipo, sobre todo durante mi juventud. Bastaba con que oyese el "debes hacer" para que en mí todo se revolviese y me volviera porfiado. Es fácil imaginar que esta peculiaridad tuvo una gran influencia negativa en mis años escolares. Cierto que nuestros maestros, en aquella divertida asignatura que llamaban Historia Universal, nos enseñaban que el mundo siempre había sido gobernado, dirigido y cambiado por ese tipo de personas que imponían su propia ley y que rompían con las leyes tradicionales, y nos decían que esas personas eran honorables. Pero eso era tan mentira como todo el resto de la enseñanza, pues cuando uno de nosotros, con buena o con mala intención, mostraba alguna vez valentía y protestaba contra cualquier mandamiento, o siquiera contra una costumbre estúpida o una moda, ni era honrado ni se nos recomendaba como modelo, sino que era castigado, escarnecido y oprimido por la cobarde prepotencia de los maestros. [...]”

CHAMAN

2005 mixta/papel 29,9 x 21,1 cm

FALCON MEMORIAL

2005 mixta/papel 29,9 x 21,1 cm

SMALL DEATHS

Small lives end every day—the unfledged bird fallen from its nest, the unwary lizard caught by a cat—as unnoticed in dying as they were living. Deeply moved by these small deaths since her childhood in South Australia, photographer-artist Kate Breakey has been photographing found animal remains since the mid-1990s, creating stunning, oversized, hand-colored images that—paradoxically—glow with life.

www.katebreakey.com

LULLABY

always and forever
we'll be free
always and forever
be with me
we'll have love a'plenty
we'll have joys outnumbered
we'll share perfect moments
you and me

always and forever
you will see
always and forever
just be with me
we'll have love a'plenty
we'll have joys outnumbered
we'll share perfect moments
you and me

Lamb

DIE GESCHICHTE DES BLEISTIFTS

Katsushika Hokusai escribió: “[...] a la edad de cinco años tenía la manía de hacer trazos de las cosas. A la edad de 50 había producido un gran número de dibujos, con todo, ninguno tenía un verdadero mérito hasta la edad de 70 años. A los 73 finalmente aprendí algo sobre la calidad verdadera de las cosas, pájaros, animales, insectos, peces, las hierbas o los árboles. Por lo tanto a la edad de 80 años habré hecho un cierto progreso, a los 90 habré penetrado el significado más profundo de las cosas, a los 100 habré hecho realmente maravillas y a los 110, cada punto, cada línea, poseerá vida propia [...]”

www.vidaydibujo.blogspot.com

LA PESADILLA

Johann Heinrich Füssli

LAMB

On her own songs, Lou Rhodes comments:

“I get this feeling in my core when I need to express something in a song. They come out in an outpouring of my heart. It´s not in my head, it´s in my gut.”

www.lourhodes.com

LA MANO

texto Enrique Cabezón & dibujo Eduardo Alvarado

2007 tinta/papel 20 x 14 cm

BODIES MADE OF PAINT

By Cristina Montoya

The house is silent. The echo of the brushstroke resounds nearby. Energetic paint motion, the rubbed canvas… The knee pinned down the floor. The paste on the palette. A few steps back to gaze the creation. Silence. Back to the begining. I am anxious about his work and I start climbing the stairs towards the loft. The walls are filled with our imaginary story. Portraits, selfportraits, nudes, abstacts, natures… Near last flight begins to appear his figure: graceful, fine; flexible and smart. Covered in colour. With such strength that I do not guess correctly to describe. Photographs in the panel, drawings everywhere, brushes and paintbrushes, rags, tins, palette knives, piles of oil tubes, the great circular crystal-palette, the box filled with his fetishes. I worship this place. In it, you feel like being teletransported to an alchemist’s laboratory, a wizard’s cave. Where anything is possible. All you need is to expel the exorcism. Devoted in his doing, concentrated, he feels my presence and greets me with a warm smile that invites me to contemplate the canvas: “look at this darling, tell me what do you think”

Destiny joined me with Eduardo Alvarado 16 years ago. And we have been sharing our lifes for 15. I experienced his first contacts with art and I’ve been witnessing his trajectory during all this time. Years during which he has devoted his full body and soul to the study and development of Painting . If I learned so much, is everything I owe him for revealing me the magic universe of arts. Without it nowadays I wouldn’t be able of conceiving my own existence. In this sense Eduardo, due to his will and generosity without limits, does a great job by transmitting passionately the whole potential of human spirit. And all its forms of expression. He sows unceasing and vigorously all around him the disquiet for this vital prism and its authenticity. Art as necessity, as existencial experience. Trying to understand and construct himself. And the art work.

His smart glance, behind initial perception, searches for the invisible. It anticipates… recognizes, interprets and utilises known information; it is a continuous dialog with anything sensed, experienced, desired, material or accidental , that allow us to dive in his most intimate world. A gaze guided by his desire of knowledge, to understand and bind new with already known; taking it into his own account. Inquiring reality with successive and shrewds questions, whose answers will be discovered in the canvas. This humility with which he confronts his job results in a painting that unavoidably always breathes (plenty of) life and honesty, truth in its highest sense.

His interest for one of the most profound enigmas in human history, the (human) body, the most perfect machine that is, at the same time, filled with infinite imperfections, has always constituted the central subject. Specially his own and the woman.

With “Virgin and Venus” he illustrates his ideas about this last one: Goddess Mother, origin, creator, giver of life and love, pure, symbol of femininity . Object of desire, passion, beauty, animality and primitivism. Woman as mistery. Enigmas and melancholies. Eternal woman and as said by Moreau said: “capricious bird, usually fatal, that traverses life holding a flower on her hand while searching for a vague ideal, almost always terrible. Always forward, stepping over anything, including genious and saint men” Nudity and body as temple and obsession.

Full of african and natural reminiscenses, under expressionist parameters, bright ochres, greens, oranges, blacks… with virtuous and exceptional ability, out of the ordinary, it results in powerful images. Covered with animality, with a mysterious halo. Intimist and consequence of his unique sensibility.

Emotions and bodies made of PAINT, PAINT.

2004 grafito y acuarela/papel 21,1 x 29,9 cm

NEON

BLIND NARCISSUS

2002 grafito y acuarela/papel 21,1 x 29,9 cm

CUCLILLAS

2001 grafito/papel 21,1 x 29,9 cm

FLOOD

WIGS & SILHOUETTES

On her own new works, Kim Frohsin comments:

“Well, the theme is still based on my figures, the women I draw from, as was my last body of work in 2006, Two Minutes and Counting; however, unlike that series, I’m working a bit larger, still on paper, but the lines from the drawings are pretty much obliterated. My principal tools are quick-release tape, razor blades, plastic wide-palette knives and heavy-bodied acrylic paint to mask out and create paintings that are very graphic; with flat-color collage shapes I create overlaying the drawing underneath. It’s about design, accident, color formation and combinations and opacity. All this is rather different in focus and application from my last series.”

www.kimfrohsin.com

LETRAS

Empuñemos la pluma cualquier día.
Signos queden trazados sobre la blanca hoja;
dirán esto o aquello, cosas inteligibles.
Es como un juego limpio que obedece a sus reglas.
Mas pensad que un lunático, un salvaje, pudiera
por un azar extraño llevar hasta sus ojos
esa hoja, ese campo de estrías y de rúnicas plumadas,
expuesto a su curiosos investigar.
Contemplaría absorto
una imagen incógnita del mundo,
un aposento raro de mágicas figuras.
Vería en la A y en la B al hombre y a la bestia:
Vería agitarse en la A y en la B ojos, lenguas y miembros.
Tan pronto circunspecto como desaforado,
leería a la manera de uno que intentara descifrar
el sentido de las huellas de un cuervo sobre la nieve;
tendría prisa y paz, sufrimientos y afanes;
y tras el aquelarre de los oscuros trazos,
a través de ligados tildes y gavilanes,
vería deslizarse las posibilidades de todo lo creado,
vería los incendios del amor, las convulsiones del dolor.
Asombro, hilaridad, llanto, temblores
le zarandearían en cuanto te descubriera
que allí, en la rígida cárcel de aquellos caligramas,
minimizado en signos, se encuentra el mundo entero
con su ímpetu ciego.
Ya el mundo se le antoja hechizado y tan menudo,
ya los rígidos rasgos, cual cadena de presos, se le antojan
tan semejantes entre sí,
que muerte y ansia de vivir, voluptuosidad y padecer,
se hermanan y apenas se pueden distinguir...
Ahora el salvaje torna en grito
su angustia insoportable: atiza el fuego,
y golpeándose la frente, cantando letanías,
entrega a las llamas la blanca hoja de las runas.
Luego, tal vez amodorrado, presiente
que aquel "no-mundo", aquella futesa encantada,
aquella insoportable sensación, van a se reabsorbidos,
retroceden ya con rumbo a las regiones de lo que nunca ha sido
a las tierras de nadie.
Entonces el salvaje suspira, sonríe; está curado.

Hermann Hesse

NINA