" [...] Tal es el caso de Eduardo Alvarado, un autor con una amplia trayectoria a sus espaldas que en su pintura plantea cuestiones de índole conceptual, que canaliza a través de una particular visión de la interpretación figurativa, sobre fondos que trabaja con carácter de continuidad o completamente neutros que el propio ademán recorta en una especie de contraluz.
Expresivo, gestual y conocedor del lenguaje corporal, Alvarado propone un escenario de situaciones para el cuerpo masculino como campo de acción frente al femenino que ocupa la exposición que aún permanece abierta en el ayuntamiento de Alcobendas. Y es que cuando decimos campo de acción, lo hacemos con todo lo que ello significa, pues cada individuo es soporte en si mísmo de una casi visceral danza de trazos y cromatismos que convierte su pintura en espacio de expresividad y análisis interno de las fórmas. [...]"

Juan Antonio Tinte en El Punto de las Artes en febrero de 2005


"Está de moda, hoy en día, ir a remolque de un nombre famoso para vender las propias miserias intelectuales. Lo hace también la autora de esta novela estrafalaria y desaliñada, cuya lectura aburre soberanamente [...] Quien escribe una novela sobre un personaje celebre demuestra no tener fantasía para inventárselo de pe a pa, y se comporta como el lúpulo, que para permanecer erguido necesita un palo alrededor del cual enroscarse. Se trata del parasitismo literario. Es como querer subir al Parnaso en telesilla. ¡Demasiado cómodo! Además, la propia vida de Egon Schiele es una novela, y no hay necesidad alguna de sobreponerle otra. En todo caso, se escribe su biografía. Sólo que escribir una biografía exige trabajo, porque hay que investigar. En fin, tiremos la novela por la ventana y hablemos de Schiele..."
Anacleto Verrecchia reseña Arrogance, la novela biográfica de Joanna Scott sobre Egon Schiele, en el Diario La Stampa el 5 de agosto de 2006


Horst Janssen 1993 grafito y pastel/papel 59 x 42 cm



2006 óleo/lienzo 195 x 195 cm


The ostensible subject of ''Tatjana in Color'', an adventurous historical drama by Julia Jordan, is the inner life of adolescent girls. Set in 1912 in Neulengbach, a small Austrian town 20 miles from Vienna, it is based on an episode in the life of the artist Egon Schiele, who was jailed for obscenity for using an under-age girl as a nude model.
Ms. Jordan's play, written in 1997 and being presented for the first time in New York by the Culture Project at 45 Bleecker Street, depicts the circumstances of Schiele's arrest and his subsequent release when suspicions he had raped the girl were unproved.
But Schiele, then a 22-year-old iconoclast and libertine and played by Glenn Fitzgerald with appropriately pretentious self-regard, is actually a minor character in the play.
Instead, the busy Ms. Jordan, who frequently writes about teenagers and siblings and is having four plays produced Off Broadway this season, is mainly interested in the girl, Tatjana Georgette Anna Von Mossig. She is portrayed here by Kate Wetherhead as a spirited and romantic 12-year-old who is both inspired by Schiele's tormented erotic paintings and fascinated by his life, especially his love affair with a self-possessed older woman known as Wally (Rebecca Wisocky).
The other important character is Tatjana's younger sister, 10-year-old Antonia (Nicole Lowrance), whose own contented existence is thoroughly upset by Tatjana's obsession with her new friends. This is an alluring, complex and thoughtful setup, though in the end it seems a little elaborate for the purpose it serves, which is mainly to create an arena for the exploration of a sisterly dynamic that feels more universal than particular.
The historical context is diverting, and the play's conclusion is effectively bittersweet, but the story is a distinctly secondary element here. It's odd, but Schiele is a far less integral figure than Wally, whose role-model status for Tatjana plays a crucial part in the young girl's evolving character.
Ms. Jordan's main accomplishment is a thorough portrait of the urgencies and passionate confusions of adolescence, distaff division. In Tatjana we are given the sexual stirrings, the first flashes of egocentrism, the impatience of youth, the eagerness to flaunt new knowledge, the sudden cognizance of an alternative to life within the family and the powerful allure of rebellion. In Antonia we see the girl who is not quite tall enough to glimpse adulthood and who feels betrayed and flummoxed by her sister's new interests.
Both characters are precocious, both are written with intelligence and poignance, and as directed with bravado by Will Pomerantz in an expansive but low-ceilinged basement space, both are free to express the racing pulses and natural perturbation of smart, jittery children. There's a lot of running and squirming.

They are, however, children, with all the limitations of 10-year-old and 12-year-old characters. Their long arguments with each other tend to shrillness and the deployment of adolescent (i.e., uninteresting) logic. Some of this could be solved by pruning; a couple of schoolroom scenes, with the girls fencing verbally with their pompous schoolmaster (Brad Bellamy), are considerably less amusing and informative than they are intended to be. And not unlike precocious children, Mr. Pomerantz, who is mostly quite resourceful in his direction, occasionally makes more clamor than he needs to. (The percussive piano-and-string music that accompanies several wordless interludes, for example, could be toned down considerably.)
But mostly the problem is more generically stubborn than that. And though Ms. Wetherhead and Ms. Lowrance are young actresses with a clear affinity for Ms. Jordan's material and an obvious commitment to the underexplored psychological territory of ''Tatjana in Color,'' even the convincing costumes by Devon Painter don't help them avoid the pitfalls that seem always to trip up adult performers playing a fraction of their ages. After a while, the affectation of high-pitched voices, whiny impatience and rubbery, jumping-bean physicality begins, like an overextended acting exercise, to feel pointless and foolish.
It's no surprise that the finest scenes in the play -- the best written, the best performed, the most charged with genuine emotion -- are those between Tatjana and Wally. The dynamic between an older woman, frustrated because her lover will not marry her, and the young girl who tempts and fascinates him is full of delicious tension. And Ms. Wisocky, a lithe and athletic woman with a wild mane of hair and a strikingly chiseled profile, is wonderful as a woman who is both confident muse and uncertain mistress to Schiele, both teacher and fearful, jealous rival to Tatjana.
In the performance of the role, as in the writing of it, the true interests of the playwright emerge. Ms. Jordan, who, like Wally, is in her 30's, seems to be looking boldly -- and admirably -- at herself past and present. The real subject of the play is not the uncertainty of young girls, but how that uncertainty matures.

TATJANA IN COLOR By Julia Jordan; directed by Will Pomerantz; producer, Allan Buchman; sets by Troy Hourie; lighting by Joel Moritz; costumes by Devon Painter; sound by Mr. Pomerantz; production manager, David Szlasa; company manager, David Friedman; stage manager, Cat Domiano.

Presented by the Culture Project. At 45 Bleecker Street Theater, East Village. WITH: Kate Wetherhead (Tatjana Von Mossig), Nicole Lowrance (Antonia Von Mossig), Glenn Fitzgerald (Egon Schiele), Rebecca Wisocky (Wally Neuzil) and Brad Bellamy (Von Mossig/Schoolteacher/Judge).

By Bruce Weber, The New York Times, November 4, 2003, Tuesday



2005 grafito/papel 21,1 x 29,9 cm


2007 grafito/papel 21,1 x 29,9 cm



Says Hermann Hesse. The value and extent of all art is in the first place determined by the extent of love that an artist is capable of. I would not dare to take these words for my account. I am a painter. But I can feel what the writer means and I can relate to it.
The other day I had the pleasure of meeting Eduardo Alvarado in the flesh for the second time in my life. It was a hot presummer night and I was making my way through an overcrowded open air theatre in Salamanca for witnessing a tragic love story, not knowing what I was in for. I knew that the artist was in town to visit my exhibition, but we could not make an appointment to meet. Then suddenly, out of the blue, there he was, in front of me. Eduardo Alvarado, smiling, radiating, in the company of three sophisticated women. It was like being on one of these television shows where people are set up to meet old time friends. But there were no cameras and the feeling struck me that the mental power of this elegant creature dressed in black must have pulled me towards him through space and time. As my mouth fell open and my eyes opened even wider we started releasing fractions of the embraces that we promised eachother during the last year in which we had been emailing intensively. Until both lovers were lying dead on the stage two hours later, I sat next to this vibrant person that moved gently like a panther, touching me from time to time, spying on me and interrupting the show with personal questions that called for long explicative answers that I failed to give.
I did not see any lines on the forehead of this young man. His face is much softer than he wants us to believe. Nor did I discover animal features on his skin. But I did recognize his hands and body from his drawings that are full of life. The lines that describe his hands, reveal the way he moves, restlesly. His curiosity and his energy that seem to be endless. His sensitivity and his unique sensuality. In the work of Eduardo I also see reflected many people that he must have met in his life so far. People in Vienna, Berlin, New York, Madrid, Rome. Africa. He travelled the continents investigating the work of long gone artists that paved his way and that he deeply admires, absorbing at the same time millions of faces and bodies of people now living in these significant places all over the world and right next door. The work of Eduardo Alvarado reminds me of myself. A human being.
In an email message Eduardo wrote that he believes drawing and painting are "un método de conocimiento". I would like to add that drawing and painting can be ways through which an artist lives and learns about life. They may even be considered acts of love. For the subject. For the paint. The colour. The line. Love implies dedication and an involvement that takes you to extremes. The way Eduardo puts it in a message titled "Schiele es mi padre" says it all.
Entiendo perfectamente lo que quieres expresar al decir que necesitas tu pintura cada dia, pero es un camino pedregoso el de la introspección. De hecho creo que el autorretrato es "el tema" del arte por excelencia, un trabajo arduo que exige liberarse de los tabues personales, mirarse desnudo y enfrentarse a lo que uno ve. A mi tambien cada nuevo cuadro me obliga a formularme una y otra vez las mismas preguntas y a lo largo de todo el proceso de concepción sufro las mas variadas emociones que van desde el extasis total hasta el mas bajo desprecio, replanteandome con cada nuevo cuadro toda mi existencia. Cada nueva obra supone un duro parto.
The traces of these experiences hide, show and live on in the work of Eduardo Alvarado. Ready to lead their own lives.

Helma Michiels, prologo para el libro "Eduardo Alvarado, Dibujos" (80 páginas), editado con la ayuda del gobierno de La Rioja en 2002.



2002 grafito y acuarela/papel 29,9 x 21,1 cm



2002 grafito y acuarela/papel 29,9 x 21,1 cm



"Sin embargo, ¿qué es el genio?
Su lengua es la de los dioses
y viven aquí en el paraiso.
Todo es canto
y semejante a los dioses.
Cualquier trabajo es fácil para Ellos
Las artes son las flores
de los jardines que rompen,
es en los aires donde viven,
en el destino melodioso, sin embargo,
están intimamente unidos
al mundo.
Jamás nada les parece insoportable.
Todo lo que dicen,
no necesitan crearlo,
Lo dicen,
tiene que ser así, - porque son superdotados.
Son los reveladores.
Seres vivos divinos, dotados de altas cualidades
omnipresentes, omniscientes -
Su contrario es el prosaico,
el hombre del común.
Ya niño, no se inquieta
por el porvenir.
Comen y beben
y duermen, la misma cosa,
idéntica día tras día.
y estudian
trabajan fisicamente
e intelectualmente
hasta la repugnancia.
No conocen
los días de la primavera
gozan de lo humanamente supremo, del
De memoria, lo
ya, los escolares balbucientes
del amor.
Están lejos del
mundo y de los
seres más aparentes.
Ira, codicia y
ambición, ser rico
en dinero se expresan
de preferencia
con gestos medidos.
Engordan su
vida toda
en el interior del Estado y
no buscan jamás
sondear la naturaleza,
silban operetas
fácilmente comprensibles y leen
por placer.
El campesino desliza
sin descanso su arado
a lo largo de los surcos,
desde la mañana hasta casi la noche.
Bebe y come y descansa
a medidodía _ durante una hora.
Después el trabajo continúa
y por la noche, está sentado
en la taberna para embrutecerse.
Así día tras día
y el sol siempre declina sus rayos
y mucha agua corre."

Egon Schiele en Die Aktion, 1914

give me myself again 2002 grafito/papel 29,9 x 21,1 cm



"El artista está ante todo
dotado de altas cualidades del espíritu,
aquel que expresa la
de apariciones concebibles en
la naturaleza.
Los artistas sienten facilmente
la gran luz vacilante,
el calor,
la respiración de los seres vivos
la llegada y
la desaparición de las cosas.
la semejanza
de las plantas
con los animales
y de los animales
con el Hombre,
y la semejanza del Hombre
con Dios.
No son eruditos
que, por ambición,
devoran libros, -
Son ellos mismos.
La religión es para ellos
una cuestión de sensibilidad.
Nunca harán
o no irán a las capillas
para oir,
nunca sentirán ahí
recogimiento. -
No, afuera,
en la tempestad desencadenada del otoño
o en las alturas, en las montañas
donde hay nobles flores
para ellos,
presentir a
La pena, pueden
superarla en apariencia,
sin embargo, en el Interior, roe
y provoca un inquietante sufrimiento.
Son elegidos,
los frutos de la Tierra Madre
los más benévolos.
Conocen Fácilmente la emoción y
hablan su propia lengua."

Egon Schiele en Die Aktion, 1914

brazos arriba 2004 grafito y acuarela/papel 29,9 x 21,1 cm arms up


"Based on the short and troubled life of expressionist painter Egon Schiele (1890-1918), Scott's ambitious novel examines the artistic imperative and its obsessive nature, the power of social conventions and fabric of life in Vienna at the turn of the century. Weaving her story around Schiele's 24-day stay in a village jail on charges of seducing the young girls who modeled for his unrestrained sketches, Scott ( Fading , My Parmacheneok Belle ) develops assorted narrative threads. The strongest of these tell of Vallie Neuzil, Schiele's sweets-loving, uninhibited mistress whom he abandons to marry the conventional Edith Harms, and, in first-person, of one of the girls from the village, whose life and memories continue nearly to the present. Scott's intricate approach to her subject(s) is fully imagined and authoritatively handled, yet the novel is finally cool and somehow hollow, more like an innovative treatise on impulse, pain and love than a story of flesh-and-blood people whose suffering and triumphs matter. "

"Based on the life of Expressionist painter Egon Schiele (1890-1918), this brilliant new novel by the author of The Closest Possible Union ( LJ 4/1/88) moves forward and backward in time as it circles around one pivotal incident: the artist's imprisonment in 1912 on charges of seduction and corrupting minors. Diverse narrative voices and shifting chronological perspectives create a potentially confusing structure; yet this story is so intriguing, and Scott's richly textured style so mesmerizing, that one is completely captivated. Like Schiele himself, who is "a victim to his senses, forced to inhale, ingest, absorb the world," and like the teenage girl involved in the false seduction charge who cannot stay away from the artist's cottage, the reader too becomes something of a voyeur, lured by the rich descriptions of turn-of-the-century Vienna and the dark nuances of Schiele's voracious imagination. A dazzling, disturbing collage of a novel."

Elise Chase, Forbes Lib., Northampton, Mass.



Kim Frohsin´s Abstract Nudes: Further Discoveries in Drawing

Kim Frohsin draws with absolute authority, every line precisely what it should be. She elevates drawing to a level of expressive accomplishment that makes the individual sheets of paper that happily bear her marks fully realized works of art. In this she is among the relatively few legitimate heirs of the Bay Area Figurative School. Among her predecessors are Richard Diebenkorn, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira, and Frank Lobdell, all admired for their draughtsmanship. Among the things she and her distinguished predecessors share in common is a complete control of line and form as means to construct anunmistakably individual personal world in their art.
Figure drawing is not merely an academic exercise. Working with a live model is a practice that has continued over the centuries uninterrupted by stylistic changes and even major shifts in the fundamental idea of what art is, or has become. The Bay Area tradition in which Frohsin participates is nothing less than an affirmation of the insuperable centrality of drawing to the continuity and historic underpinnings of visual art. Frohsin´s drawing-based practice is, however, “traditional” only in that it participates in what for centuries was understood to be the basis for depiction, and therefore comprehension, ofreality. With that in mind, she takes her position within a humanist tradition that seeks understanding of her place—of our place—in the world. Implicit in her work is an acknowledgment of the close relationship between representation and abstraction. This is a hallmark of modernism, an underlying concept in all figurative, or “realist,” art of significance.
The previous Provocative Poses series was the result of what Frohsin describes as an “epiphany”experienced during a group session with the model Eden. The resulting drawings (exhibited at Dolby Chadwick in 2003), in which female sexuality (model´s and artist´s) played a central role, werefollowed by a second and closely related group of works. With the focus remaining on the female nude figure, the artis´s preferred subject, abstraction (never carried to full non-objectivity) became the thematic goal. In August 2004 another model, Reyna, pointed the direction for the subsequent step in what amounts to an evolving pictorial and psychological investigation. Abstraction, a formal and philosophical concept, was adopted as the means to deeper self-discovery. The general was, once again, deployed in the service of the personal.
The idea of abstracting the figure is hardly new. But, the goal of abstracting an individualmodel—beyond the physical information provided by line, form, volume—is less common. And this is what Kim Frohsin has undertaken as her project in this series. Abstraction itself has an impersonal quality, typically understood as more universal than the particularities of an individual, which are the personal and human qualities that Frohsin seeks in her quest for self-understanding. Furthermore, she seems intuitively to combine an interest in formal (stylistic) issues with a willingness to confront something far more difficult to capture: the essence of a unique, singular, human being. This is what distinguishes Frohsin´s ongoing project and, most emphatically, the abstract figure series. The particular neversurrenders to the general.
To hear Frohsin talk about her models is to gain insight into their essential importance as individuals to her art—and, as I gather from our conversations, to her life as well. Reyna, Tami, Signe, Prudence, He­lene, Dayla, Barbara, Lea are all individual sources of abstraction. But they are also individual women, eager to collaborate in Frohsin´s latest artistic obsession. This confidence in the artist surely comes from recognition that, for her, life drawing is not simply a classroom exercise removed from the seriousbusiness of contemporary art based on ideas. It is the fundamental basis and means for her to develop her own thinking about the intersection of art and life, providing a vocabulary for her to communicate a personal worldview that insists upon the primacy of human interaction and relationship.

Paul J. Karlstrom, Former West Coast Director, Smithsonian Archives of American Art © April 2005

vintage sleep 2005 mixed media 30 x 30 cm



verano 2007 óleo/lienzo 162 x 130 cm summer


"I can paint and draw".
"I believe as much myself and others also they say they believe it. But I am not sure that it is true. Only two things are certain: 1. I have never painted a self-portrait. I am less interested in myself as a subject for a painting than I am in other people, above all women. But other subjects interest me even more. I am convinced that I am not particulary interesting as a person... 2. I have the gift of neither the spoken nor the written word, especially If I have to say something about myself or my work... Whoever wants to know something about me - as an artist, the only notable thing - ought to look carefully at my pictures and try to see in them what I am and what I want to do".



en el suelo 2007 óleo/lienzo 50 x 61cm on the floor


2007 óleo/lienzo 38 x 46 cm




Penck en Altxerri y Alvarado en Paupa, dos visiones.

La pintura instintual y primaria, la pintura directa y expresiva, la pintura que sale del fondo de la existencia humana y de la interpretación del mundo y de las cosas, sigue estando totalmente fresca y vive en las galerías del País Vasco y de todo Europa.
[...] Los dibujos con grafito negro, y la pintura llena de figuras humanas, masculinas y femeninas, solas y en pareja, de pie o tumbadas, cargadas de dolor y cansancio humanos, de Eduardo Alvarado, pese a su raigambre expresionista, corre y va sin embargo por otros derroteros. Mas cercano a las primeras vanguardias históricas de gente como Munch y Schiele, o de sus epígonos austriacos, alemanes y vascos de toda suerte y pelaje (entre los que se encuentran nuestros Goenaga y Zuriarrain), pasados por el tamiz personal en el que el arte negro es una de las constantes y referencias básicas y estructurales, este joven autor produce una pintura llena de referencias personales y de una gran frescura e introspección humanas. Los resultados arrojan un balance altamente positivo, pese a ciertas adherencias que deben madurar o desaparecer en el futuro.
Sus telas de formatos medios y grandes están llenas de ráfagas y pinceladas multicolores, de humanidades deformadas y de bellezas excéntricas y naturales. Muy interesantes resultan sus propios autorretratos (que es quizás lo que mejor conoce), sus desnudos femeninos y masculinos frontales y algunos desnudos que poseen conotaciones con el Goenaga fin de siglo. Como muy potentes y poderos aparecen y son también sus desnudos trazados a carbón y grafito.
Esperamos mucho de este joven autor que sigue demostrandonos, con un cierto feismo y desgarro, que quedan muchas cosas que hacer y que decir en ese vasto panorama que queda entre Munch, Schiele, Bacon y López.

Edorta kortadi en "a tono contigo", suplemento del diario DEIA en Julio de 2003


Tres autores, Eduardo Alvarado, Helma Michiels y Goenaga, en Paupa en Donostia.
Tres autores, que llevan años trabajando la figura humana, sola o inserta en el paisaje, presentan su obra de manera conjunta e interseccionada en Galería Paupa de Donosita. Y su obra se tensiona y se magnifica, una al lado de la otra, y presenta múltiples referencias y connotaciones, que nos llevan a pensar que existe un fondo común y un cúmulo similar de vivencias, aproximaciones y referencias acerca del ser humano. Es pintura instintual e introspectiva, psicoanalítica, y por ende presenta fondos comunes que muestran al ser humano solo y distorsionado, cargado de acentos expresivos, de empastes y de brochazos intensos, y de coloridos fuertes o dramáticos.
Nos referimos a la pintura de Eduardo Alvarado, Helma Michiels y Juan Luis Goenaga, que posee indudables puntos de contacto entre ellas, aun antes de haberse conocido o de haberse tratado. Y es que el fondo humano del que proceden es único, intenso y bronco.
Destaca en este sentido la figura humana de Alvarado, sola y aislada, en la intimidad de su propia desnudez y en las deformaciones expresas de su propia historia intrahumana. Sus personajes, fuertes y oscuros, se presentan filiformes, cargados de ocres y verdes poderosos, entre trazadas e insinuadas. La fuerza y poderío de las manchas y pinceladas, llevan a este autor a dejar en algunas obras el soporte cara vista, apenas manchado. Mas deudor de Schiele aparece en sus dibujos y acuarelas de pequeño formato.
Goenaga presenta algunos paisajes y figuras, de reciente creación en las que un poderoso colorido parece haberse adueñado del esquema integral y estructural del cuadro. El Goenaga bosquimano y cavernícola, parece haber dejado paso a un Goenaga mas marítimo y lúdico, en el que los azules, verdes y rojos parecen invadirlo todo. Es lógica la protesta del lector acostumbrado a etapas anteriores de este autor, pero ahora toca acostumbrarse a otras propuestas pertenecientes a la misma mano. Por otro lado, el Goenaga festivo y lujurioso, siempre ha estado presente, aun en las profundidades del bosque y la prehistoria.
Helma Michiels, es la autora que más nos desazona e interroga a través de una figua femenina sola y distorsionada, desfigurada en sus propios rasgos antropomorfos de honda raigambre expresionista anglosajona. Bacon y Kitaj parecen estar en algunas de sus obras, algunas de las cuales rayan en el buen-mal gusto de los mejores autores de estas escuelas emparentadas con las vanguardias históricas. Algunas obras parecen como más contundentes y mejor resueltas que otras, pero hay buena materia de pintora.
Para quienes auguran la muerte del arte y la llevan al borde del concepto y de la nada, la vía neoexpresionista vuelve a presentarse como una vía auténtica y verdadera, sin muchos artificios y coartadas literarias.

Edorta Kortadi en el Diario Vasco en mayo de 2004




Mañana se inaugura una muestra de los últimos trabajos del pintor Juan Luis Goenaga (San Sebastian, 1950) en la galería Ekain de San Sebastian.
El texto que continua, es la crítica que el historiador Edorta Kortadi publicó en las páginas del diario Deia el 18 de Marzo de 2006 con motivo de nuestra exposición conjunta "Elkarrekin" en la galería de Juan Cruz Unzurrunzaga.

Desnudo humano
Dibujos, acuarelas y técnicas mixtas componen esta interesante exposición interseccionada de figuras humanas de Eduardo Alvarado (Miranda de Ebro. Burgos, 1972 ) y Juan Luis Goenaga (Donostia, 1950). A ambos autores de siempre les ha interesado la figura humana y ambos han expuesto en otras ocasiones sus obras de manera mestiza y cuasi imbricada. El resultado mejora con la tensión y el contraste de las obras. Ambos son autores negros, oscuros, un tanto guarros, y a ambos les ha interesado, como a los expresionistas y a los surrealistas, plasmar el sexo de manera explícita y sin ambages. De hecho ambos presentan desnudos humanos, hombres y mujeres aislados en su propia desnudez, soledad y sexo, como en un acto de visión órfica y placentera de la naturaleza humana. Parecen casi bodegones humanos. Vamos, a mí me lo parecen. O como dijo un amigo mío en la inauguración, están como para comérselos.
Alvarado, dibujo en soledad
Digamos de entrada que Alvarado presenta algunos dibujos, en algunos casos autorretratos y retratos de su mujer, solos y aislados, trazados a lápiz y manchados con pocos colores, marrón sobre ocres, como aburrimientos sutiles y mínimos esbozos dentro de las propias obras. Resultan sumamente atractivas en esta dirección varias series realizadas en ocres, algunas de ellos reducidas casi a puras manchas, que poseen un cierto carácter escultórico, y que se emparentan con algunos dibujos de escultores de los años 30-40. Pero lo que a nosotros más nos ha interesado son dos desnudos de formato medio ubicados sobre las escaleras de entrada, bien trazados y coloreados a la manera de la escuela de López. Multimanchados y pastosos. Son francamente soberbios y espléndidos dibujos de gran intensidad y destreza técnica.
Abstracción de Goenaga
En una línea más abstracta y enmarañada, y hasta emborronada me atrevería a decir, se mueven los desnudos y zoofilias de Juan Luis Goenaga, quien sigue trazando escenas y frisos de carácter parietal y arqueológico con grafitos negros y ocres. Arqueologías de la memoria y el sexo. Figuras humanas y perros salvajes, desarrollados sobre el plano o el collage de sostenes y prendas íntimas, lo que añade aun si cabe mayores connotaciones a la obra. Pero donde Goenaga sigue sorprendiéndonos es en sus visiones abstractas de muros y frisos de puras rocas, pintura de acción y texturas, en las que el rojo transgresor y salvaje irrumpe sobre el ocre y el amarillo, el negro o el salmón liviano. Goenaga sigue siendo el gran arqueólogo de la pintura vasca, el gran excavador de la memoria colectiva de este pequeño país, y uno de los puentes de oro que une el Neolítico con el siglo XXI. La obra de ambos autores sigue desarrollándose de manera autónoma, cada una por su lado, al mismo tiempo que sigue ofreciéndonos interesantes y atrevidas lecturas tensionadas y confrontadas de uno de los géneros básicos de la pintura moderna.


dama 2008 óleo/lienzo 27 x 22,5 cm lady



En la exposición, junto a algunas pinturas antiguas de factura expresionista y mayor formato, presentaré mis últimos trabajos.

cráneo 2008 óleo/lienzo 18 x 18 cm skull


La obra de Eduardo Alvarado puede decirse que es en cuanto a su concepción, tradicional. Pinta y dibuja, mediante el óleo, el lienzo, el lápiz, la acuarela y el papel, y en ella domina la representación del cuerpo humano. Alvarado mantiene en su trabajo las preocupaciones clásicas por la naturaleza, el espacio y el cuerpo, y está casi especializado en pintar desnudos.
En estas nuevas obras, ahora siempre pintadas del natural, Alvarado ha dirigido su mirada hacia los objetos. Fetiches y talismanes coleccionados durante años, le sirven, al igual que durante años lo han hecho personas, de modelos.
El conjunto está muy entonado en blancos, ocres o grises, y algunas composiciones persiguen reconstruir atmósferas silenciosas, misteriosas, que sin abandonar la referencia figurativa abren su trabajo hacia otro tipo de imágenes.
Los objetos, como las personas, casi siempre solos, cobran el protagonismo de personajes, y así puede decirse que, no solo los retratos y sus propios autorretratos son en realidad desnudos: incluso podríamos afirmar que sus pequeños bodegones también son desnudos.
En registros anteriores mas gestuales algunos lo consideran neoexpresionista y lo relacionan mas allá en el tiempo con Schiele y Klimt principalmente en el dibujo, y en la pintura con los artistas vascos Goenaga y Zuriarrain, así como con Munch, Bacon, y Antonio López.
El título de la exposición, "La Desnudez del Ser", está tomado del texto que el artista riojano, Cecilio Barragán, escribió sobre mis recientes pinturas con motivo de nuestra exposición conjunta en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Logroño en Enero de 2007.

"La desnudez del ser"
Del 15 de marzo al 16 de abril
Inauguración sábado 15 de marzo a las 19:30 h
Espiral Galería de Arte Contemporaneo
Avda San Miguel, 14
39192 Meruelo
Cantabria (España)
+34 942 637 991 / +34 661670506


"Existe un modo de entender el trabajo artístico que, al margen de estilos o modos de concebir el arte, está impulsado por el temperamento de quienes lo ejercen. Caracterizado por el tesón, la actividad y el rigor suele alcanzar una suerte de ensimismamiento creativo que asegura siempre un buen nivel de ejecución en las obras llegando en esos contados casos que todos conocemos, a rayar en la genialidad.
[...] Esta intención no es nada despreciable, muy al contrario habla de la seriedad que preside su actividad artística."

Extracto de la crítica de Ignacio Gil-Díez Usandizaga publicada el diario La Rioja con motivo de la exposición de dibujos y pinturas de Eduardo Alvarado en el Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de La Rioja en Octubre de 2001.